Hanne Kolstø: While we still have Light
(2015, Jansen Plateproduksjon /Musikkoperatørene JANSEN058 )

Und Hanne Kolstø macht einfach weiter: Ein Album nach dem anderen, dies ist bereits ihr fünftes seit 2011, und es ist wieder hervorragend, slightly avant-garde, ausgeklügelt produziert, vielseitig und mit Power arrangiert und vor allem eingängig. Das macht der Norwegerin derzeit keiner nach: Popmusik von einer konstanten Brillanz. Nach dem textlich direkteren Vorgänger besticht »WHILE WE STILL HAVE LIGHT« wieder mehr durch Raffinesse und kluges Songwriting in einer souveränen Mischung aus dunkel und Pop. Wobei »souverän« garantiert nicht meint, dass sie und ihr vielköpfiges Team die sichere Bank gewählt hätten, im Gegenteil.

Diesmal hat der etablierte Avantgarde-Komponist Eivind Buene leicht aparte Streicherarrangements beigesteuert, und das sorgt hin und wieder für eine ungewöhnliche Färbung der mit viel Aufwand produzierten Songs. Es sind zwar einfache, klare Lieder, aber mit Instrumentenfülle, einem geradezu akribischen Sound Design ausgeführt, reich und voluminös, aber nie erschlagend oder bombastisch. Wunderbar, wie etwa im letzten Song »White Noise Static« überraschend noch ein Saxofonsolo von André Roligheten (Albatrosh) alles zuvor Gehörte toppt und abrundet. Ob Hanne Kolstø in 12 Monaten wohl wieder mit einem neuen, tollen Album aufwartet? Wir wagen es nicht träumen. (ijb)

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	Siehe auch: Eivind Buene André Roligheten

-phy: Love Songs From Mars
(2003, Apricot Records /Freibank )

Sie wollen so viele CDs wie möglich verkaufen. Sie wollen durch die ganze Welt touren. Und auch weit außerhalb Norwegens soll man ihre Musik genießen. Es sei ihnen gegönnt, weil berechtigt. Denn die drei Ladies Ellen Ersfjord (Bass, Gesang), Ingrid M. Tolstad (Gitarre, Gesang) und Vigdis Sjelmo (Schlagzeug, Percussion) bieten wunderbar kompakte wie zugleich verspielte Songs - mal durchaus gediegen krachig, dann wieder melodisch eingängig.

Durchaus lassen sich Vorlieben oder auch Vorbilder erkennen: U2, The Cure, die B-52 und immer wieder auch Blondie - gerade was den Gesang angeht. Aber -phy ist eine dieser seltenen Gruppen, die sich einerseits in einer Traditionslinie bewegen und doch eine ganz eigene Richtung eingeschlagen haben mit diesem zupackendem Debütalbum, dieser erfrischenden Sommerplatte, diesem rezeptfreiem Anti-Depressivum. (frk)

3-11 Porter: Surround Me
(2008, Stereo Deluxe Records SDX0169678CD )

In unserer übersexualisierten Welt ist ein wahrer Moment der Sinnlichkeit Gold wert. So wie es aber 3-11 Porter angehen, verpufft jede Magie. Die Norweger Per Arne Bertheussen, Svein Hansen und Sängerin Tracee Lewis Mayn hauchen ihre Vocals über die Rillen – und sind dabei das Gegenteil von sexy. Einschmeichelnd rekeln sich auch die schlaffen Beats über extraflauschige Synthieflächen, geradezu anbiedernd harmlos und in ihrem Verständnis von 90er-TripHop, Lounge und 60er-Soul leider nie auf der Höhe der Zeit.

Dabei ist die Melange an sich natürlich alles andere als einseitig. Mal gibt es Anklänge von Worldbeats, spanischen Flamenco-Gitarren oder gleich jazzige Ambienten. Unter dem Strich eint neben der immerwährend-chilligen Behäbigkeit der Songs aber der Fakt: Allesamt sind sie formidable musikalische Fototapeten für die Berieselung moccafarben getünchter Kaffeebars, in denen es nur um das möglichst dezente Nebenbei geht. Und so werden sich hier die Geschmacksgeister scheiden: Manch einer mag hierzu »tolle Entspannungsmusik« sagen, der andere »seelenloses Geplänkel«. Manch einer freut sich über die »nostalgisch anheimelnden Klänge«, andere sehen darin nur »entkräftete Popmusik«. (maw)

a-ha: Time and Again – the Ultimate a-ha
( 2 CDs, 2016, Rhino /Warner 081227947200 )

Ob man »Take on me« irgendwann überdrüssig wird? Ob man je wieder eine zweite Hits-Kollektion von a-ha brauchen wird? Ob das norwegische Trio auch nach der zweiten Reunion wieder elf Jahre aktiv sein wird, bis zum nächsten groß verkündeten Bandende? Fragen, die in Anbetracht dieser neuerlichen Kompilation aufkommen. Der Überhit »Take on me« wird vermutlich auch noch in Jahrzehnten im Pop-Radio rauf und runter gespielt werden, und das zu recht. Darüber hinaus ist allerdings nicht anzunehmen, dass Menschen, die nicht explizit Fans von a-ha sind, dann noch weitere »Hits« kennen werden.

1991 erschien »Headlines and Deadlines – The Hits of a-ha«, mit dem Besten der ersten vier Alben. Da ist alles Wertvolle an Hits drauf, und dabei hätte man es belassen können, denn weitere Zusammenstellungen variierten diese 16 Songs nur wenig. Zum Zwanzigjährigen im April 2005 gab's »The Singles 1984|2004« mit 19 sowie »The Definitive Singles Collection« mit 17 Hits bis 2002(!). Und nach nur weiteren zwei Studio-CDs gab's zum Abschluss der zweiten Bandphase das Jubiläums-Album »25« mit restlos allen 33 (auch den Promo-)Singles und sechs weiteren Tracks, fast eine oftmals als »Anthologie« bezeichnete Sammelpackung.

Was also ist nach einem weiteren (zumal lauen) Reunion- und Comebackalbum zum nun 30. Bandjubiläum dazugekommen, das eine fünfte Kollektion rechtfertigen und attraktiv machen könnte? Unverblümt, man darf es geradezu sarkastisch lesen, gab man ihr gleich den Titel »TIME AND AGAIN«, zu deutsch »Wieder und wieder«. Nun, um die Käufer zu locken, gibt es nun neben den 19 ausgewählten Singles auf der ersten CD ausschließlich Remixes auf CD2: drei aus den Achtzigern, einer aus den Neunzigern (diese »previously unissued«) und ganze zehn (»previously issued«) aus den Jahren 2000 bis 2010. Als einziger Bonus lassen sich zwei okaye Neubearbeitungen der ersten beiden Hits »Take on me« und »The Sun always shines on TV« finden.

Also »ULTIMATE« ist diese Veröffentlichung bedauerlicherweise eindeutig nicht. Wem die Hits genügen, der nehme die 1991er CD (die man doch besser als 25th Anniversary Edition herausgebracht hätte), wer etwas tiefer ins Gesamtwerk eintauchen möchte, greife zu »25«. Die 16 Remixes sind fast komplett zum Vergessen, und, was man wirklich auch mal deutlich sagen muss: Sooo geniale Hitautoren sind a-ha nun wirklich nicht. Nach den drei großen Knallern vom ersten Album haben sie doch stets von diesem Jugenderfolg gezehrt. (Daher hier wohl auch das Jugendporträt als CD-Cover.) Zu viele von den wieder und wieder als »biggest hits« feilgebotenen Singles sind doch eigentlich eher schwache Songs. Ohne »Take on me« würde (jenseits von ergebenen Fans) kein Hahn nach halbgaren Liedern wie »Cry Wolf«, »Touchy!« oder dem schamlosen »Take on me«-Recycling »You are the one« krähen. Besser, man hört a-ha als feine Albumband und widmet sich »Scoundrel Days« oder »Minor Earth Major Sky«. Diese »Immer wieder«-Collections müssen ein Ende haben! (ijb)

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Greta Aagre & Erik Honoré: Tuesday Gods
(2017, Jazzland /Edel 377 903 7 )

Nachdem ihre erste Duoplatte »YEAR OF THE BULLET« 2012 als Verwandte von »UNCOMMON DEITIES« gesehen werden konnte, so ist die Nachfolgerin »TUESDAY GODS« klar als Schwester von Erik Honorés zeitgleich erschienener Hubro-CD »UNREST« erkennbar. Beide erzählen deutlich von Unruhe, entstanden in einer Zeit persönlicher Umbrüche und Turbulenzen. Doch wo das vorwiegend instrumentale, dunklere »UNREST« dies musikalisch stärker mit Brüchen hörbar und erfahrbar macht, ist das Songalbum »TUESDAY GODS« mit Honorés Texten von einer schwebenden Homogenität geprägt; die zarten, von Greta Aagre präsent und effektfrei gesungenen Lieder kleidete Honoré in komplexe Soundskulpturen, aus denen die jahrelange Arbeit mit dieser, seiner ureigenen, subtilen Punkt-Stilistik spricht.

Mit den beiden spielte Bjorn Charles Dreyer auf allen Stücken Gitarre, doch sein Spiel mischt sich filigran in die ausgefeilten Klangbilder, wie man es häufig von Eivind Aarset kennt. Das alles erinnert stark an Sidsel Endresens großartiges Album »UNDERTOW«, wo Gitarrist Roger Ludvigsen vergleichbar schwebend mitwirkte. Auf beiden Alben tritt außerdem sehr sporadisch Nils Petter Molværs Trompete auf, hier zudem auf zwei Stücken André Kassen am Saxofon. Auch die herbstlich gedankenversunkene Atmosphäre lässt an »UNDERTOW« denken, wenngleich »TUESDAY GODS« lichter und optimistischer wirkt. Beide sind ganz und gar großartige Werke, souverän und weise: Jazzlands schönste CD seit langer Zeit, vielleicht sogar seit »UNDERTOW«, und das war vor 17 Jahren. (ijb)

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	Siehe auch: Bjorn Charles Dreyer Yūgen Sidsel Endresen André Kassen

Björn Afzelius & Mikael Wiehe: 1993
(2004, MajorStudio /Warner 50504675712 )

1993 fanden Björn Afzelius und Mikael Wiehe zusammen, um im Studio eine intime Club-Atmosphäre einzufangen. Entsprechend simpel das musikalische Konzept, das allein aus Afzelius und Wiehe und zwei Gitarren besteht, und das voll aufgeht. Oder aufgegangen wäre, wenn diese Aufnahmen zur Veröffentlichung gekommen wären. Von 1993 bis 1999 schoben Afzelius und Wiehe die Fertigstellung auf, dann starb Afzelius.

Erst 2004, die digitale Technik macht's möglich, vollendet Wiehe im Alleingang die mittlerweile elf Jahre alten Aufnahmen. Und daran hat Mikael Wiehe gut getan: »1993« wirkt nicht im Geringsten angestaubt. Die Texte wirken scharf und persönlich zugleich. Die intime Stimmung zieht einen gänzlich in den Bann. Einziger Schwachpunkt dieser wunderbaren Aufnahmen: »Så Vill Jag Bli«. Diesen Song sollte man auf keinen Fall hören, bevor man den CD-Spieler ausschaltet, weil man sonst unweigerlich »Mein Hut, der hat drei Ecken« den Rest des Tages als Ohrwurm mit sich herumträgt. (hew)

Ai Phoenix: The Light Shines Almost All The Way
(2007, Glitterhouse /Indigo GRCD 662 )

Ai Phoenix? Große Klasse! Und dann kommt da dieses Album auf den Tisch, wird in den CD-Player ein- und dann wieder beiseite gelegt, später wieder hergenommen im festen Vorsatz, die Rezension endlich zu schreiben – bis man dann nach vielen Wochen schließlich beim Hören der Vorgänger-Alben landet auf der Suche nach der Begründung, warum man die Band einst so geliebt hat. Sicher bilden immer noch Mona Mørk, Patrick Lundsberg und Bosse Litsheim den Kern der Bergener Band, und ihre Musik bewegt sich noch immer im Halbdunkel hingepatschter Folkpop-Melancholie.

Ihre Songs brauchen aber mehr Anläufe, um das Herz zu stürmen, und die Liebe entflammt nicht mehr so heftig. Ai Phoenix sind inzwischen mehr die langjährige gute Frendin, bei der man noch Rat und Trost sucht. Deren Wärme man spüren kann, obwohl sie doch selbst Trost bräuchte. Aufregende Abenteuer aber wird man anderswo erleben. (peb)

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Jonas Alaska: If Only As A Ghost
(2013, Sony Music 88765477192 )

Vielleicht fühlt sich Jungsein genau so an: Ein bisschen übermütig, ein bisschen nachdenklich, ein bisschen traurig. Ein bisschen hingebungsvoll und ein wenig selbstironisch. Und das im Minutentakt. Der junge norwegische Singer-Songwriter Jonas Alaska kommt äußerlich so ungelenk daher wie ein dreiviertel ausgewachsener Windhund, der nicht so recht weiß, in welche Richtung er seine langen Gliedmaßen schlenkern soll. Aber dieser Eindruck täuscht. Mit »ONLY AS A GHOST« legt die Nachwuchskraft aus Oslo bereits ihr zweites Album vor, das mit feiner Zurückhaltung zwischen 60ies-Pop und Americana-Klängen seiltanzt. Den Altmeistern Simon And Garfunkel dabei mitunter fröhlich zuzwinkert. Ein Album, das trotz aller zwischenzeitlichen Melancholie funkelt wie einer dieser ersten Sterne am mittelblauen Abendhimmel.

Alaska, dessen großes musikalisches Vorbild übrigens Bob Dylan ist, beherrscht die leisen, die balladigen Töne bestens. Aber hüpft mit Tracks wie der flotten Verlierer-Hymne »I Saw You Kid« ausgelassen über Großstadtgassen, die verdächtig an die Carnaby Street im Swinging London erinnern. Setzt bei aller Verspieltheit auf ehrliche Gefühle und erzählt Geschichten mit mitunter bösem Ausgang, die uns aber nicht übermäßig deprimieren, sondern eher auf merkwürdige Art wärmen. Und irgendwie wünscht man sich diesen Nerd mit den tellergroßen Augen zum besten Freund, aber subito.

Solche souveräne Gelassenheit beim Songwriting hätte man dem blondgelockten Jungspund, der am Liverpool Institute Of Performing Arts studiert hat, gar nicht zugetraut. Jonas Alaska flirtet in Tracks wie dem putzmunteren »Come On And Dance« ausgelassen mit dem Piano und bugsiert uns unmissverständlich in Richtung Tanzfläche. Noch so ein ansteckend fröhlicher kleiner Gassenhauer also, der aber bestens zu den reduzierteren Songs wie dem Titelstück passt. In denen der Norweger zu Klampfenbegleitung wortreich einer verstorbenen Liebe nachtrauert. Das wäre zum Heulen, wenn es nicht so herzzerreißend schön wäre. (emv)

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Alice And The Mountain: Nine Lives
(2013, Karmakosmetix)

Schillernd wie das Innere einer Perlmuttmuschel präsentiert sich Alice And The Mountain alias Silje Kåfjord auf ihrem Debütalbum »NINE LIVES« . Bloß sich nicht fassen und domestizieren lassen mit vorschnellen musikalischen Einordnungen! Die Chanteuse aus Südnorwegen springt scheinbar mühelos zwischen den Genres: Trip Hop und Neo-Pianoromantik, balladigen Dreigroschenoper-Anspielungen, Nu Lounge Jazz und Kammer-Elektronikpop. Uff, die Dame hat hohe Ansprüche! Am kommerziellsten ist hier noch das sehr tanzbare, vertrackte und schimmernde Dancefloor-Stückchen »Hunt You« ausgefallen.

Die Sängerin flirtet mit hörbarem Vergnügen mit den großen Vorgängerinnen: Mitunter meint man Anklänge an Joni Mitchells intelligente Grenzgängereien zu hören. Und wenig später an die neumodische Mystik von Loreena McKennitt. Das könnte angestrengt und überladen wirken, kommt aber tatsächlich sehr locker und leichtfüßig daher. Übrigens am Piano einfühlsam unterstützt von Bernt Moen, der in reduzierten Tracks wie »Little Things« den kongenialen Partner an den Tasten gibt.

Die Kåfjord säuselt, schreit, gurrt, lockt, schmachtet und sehnsüchtet. Aber schafft es dabei, sich eine Aura des Geheimnisvollen, des Nicht-Fassbaren zu bewahren. So wie sie es auf schwerelos tagträumerische Art im klassisch schönen Song »Like In A Dream« tut. Emotionaler Höhepunkt des Albums aber ist der Seelentröster »Resting Place«, der in seiner zarten Innigkeit an das unvergessene Credo der Cowboy Junkies erinnert: You´ll be loved again! (emv)

Anne Marie Almedal: Blue Sky Blue
( CD+DVD, 2010, +47 /VME i+47 10/007 )

Eines der stärksten Lieder gleich zum Einstieg - allerdings ist es eine der beiden Coverversionen, die die Norwegerin Anne Marie Almedal auf ihrer zweiten Soloplatte präsentiert: Massive Attacks Klassiker »Safe from Harm«, souverän zurückhaltend dargeboten, begleitet von klanglich so reich wie leise arrangierter Band mit Cello, Kontrabass und gleich mehreren Gitarren. Doch schon Lied Nummer zwei, »I think I love you«, eine von zehn Eigenkompositionen des Duos (in Kunst und Leben) Almedal und Nicholas Sillitoe, schrammt richtig eng an schlagerhafter Beliebigkeit vorbei; obgleich der Song gut funktioniert, hat man das Gefühl, ihn bereits hundert Mal (und davon gefühlte 95 Mal zu oft) gehört zu haben.

Zwischen diesen Polen bewegt sich das gesamte, teils sehr geschmackvolle, hin und wieder etwas zu weichzeichnerische Album. Ein paar Mal gelingen kleine Pop-Perlen wie »Show more Love«, aus wenigen, sensibel auf einander abgestimmten Elementen - nicht selten ohne Schlagzeug, dafür mit Saxofon, Glockenspiel oder Hammondorgel. Auf der Plus-Seite ist auch die elegante, piano-betonte Lesart von Jagger/Richards' »Paint it, black« zu verbuchen; leider darf nicht unterschlagen werden, dass Almedals interpretatorische Präsenz auch hier nicht über adrette Sorgfältigkeit hinausreicht. Man kann sich nicht beschweren - aber so richtig begeistern kann »BLUE SKY BLUE« eben auch nie. (ijb)

	Siehe auch: AM and the UV Velvet Belly Illumination Chilluminati